martes, 23 de noviembre de 2010
Sabines: "Los amorosos callan".
0 comentarios Publicado por Gail Filis, the vampire cat girl. en 23:29
Como decía Jaime Sabines en su poema Los Amorosos, me siento vacía vacía "de una a otra costilla" . . . no hay algo que me cause gran emoción o llene mi alma, ni siquiera siento pertenecer a algo . . . o a alguien. Mi alma llora porque no es indagada aun cuando al viajero se le ha dado un mapa para explorarla. Sí, ahora entiendo con el corazón el poema de Sabines.
Porque llevo tantas cosas y recuerdos tatuados, tratando de coger el reflejo de la luna en el río, amando con la mente ¿y el corazón?, suspirando por épocas pasadas y los posibilidades alternas, por lo que fue . . . por lo que pudo haber sido. Ahora se qué es despertar haciendo un recuento diario de mi ignota vida, oliendo la muerte a cada rato; me aburro sin mi dosis de adrenalina y suspenso, sin esa persona que me inspire y haga delirar como para volver a escribir después de tanto tiempo en el desierto yermo. Pero luego miro sus ojos, los de mi Lord . . . y contemplo en ellos tanto amor . . . que termino respondiéndome: "cómo no amarlo".
Es extraño que me haya presentado ante él como tierra ignota . . . y hasta lo doté de un mapa para que me explorara, mas pareciera se conforma con lo que sabe y con sus propias deducciones, que en el fondo de mi alma siento va a realizar un enlace conmigo, una completa desconocida. Quizá no emprende el viaje por temor a perder su fantasía. Pero no es eso de "él encontró a su verdadero amor" . . . y yo no; pues como dice el poeta: "a veces yo también lo quería". En realidad no es "a veces", es siempre . . . y aun lo quiero . . . y lo amo.
Sobre los amorosos . . .
Este poema de Sabines es el más conocido, el que más veces ha sido citado tanto en el teatro como en las canciones . . . quizá es el que más gusta por lo que pudiera significar para quien lo lee o recita. No obstante, en una entrevista que le hicieron al propio Sabines en enero de 1998, tal pareciera que fue sólo algo que fluyó de su pluma en una noche. Según la entrevsta, el poeta no pasaba por alguna situación particualr en ese momento de 1949 ó 1950, pues vivía su día a día tomando clases vespertinas de Filosofía y Letras en Mascarones. Dormía en una habitación austera en donde solía escribir por las noches acompañado únicamente de la música clásica de fondo que sintonizaba en su pequeño radio. Es más, el propio autor ni se acuerda cómo o por qué lo escribió, sólo sabemos de boca suya que leía y escribía mucho en esos tiempos.
De acuerdo con Sabines "los amorosos callan", empero menciona más adelante que "el amor es el silencio más fino, / el más tembloroso, el más insoportable" y esto es (citando lo que menciona la entrevista) porque la gente, aun cuando se ama, no está hablando constantemente, sin embargo, "de pronto te callas y sientes que la amas profundamente, y ese amor es insoportable, se llega a hacer insoportable ese silencio (...)".
Continúa con "los amorosos buscan, / los amorosos son los que abandonan, / son los que cambian, los que olvidan./ Su corazón les dice que nunca han de encontrar; / no encuentran, buscan" debido a que estas personas "andan siempre buscando el amor, con una mujer y con otra y con otra y con otra. Lo quieren encontrar y saben que no lo van a encontrar, pero lo buscan". Aun con una actitud gozosa, el resultado es triste. Y agrega que "los amorosos andan como locos / porque están solos, solos, solos, / entregándose, dándose a cada rato, / llorando porque no salvan al amor. / Les preocupa el amor. Los amorosos / viven al día, no pueden hacer más, no saben. / Siempre se están yendo, / siempre hacia alguna parte" . . . pero es el amoroso quien siempre se va, no el amor.
De aciuerdo con Pilar Jiménez Trejo (la entrevistadora), y según Sabines al mismo tiempo, se trata de un poema de dolor y a la vez de alegría. Los versos también pudieran significar que el amoroso es un Don Juan (más bien, un Casanova) que anda enamorando mujeres justificándose en que anda buscando el amor, aun cuando sabe qe no lo va a encontrar de esa forma. Le gusta el placer pero más el amor, abandona al personaje instantáneamente, pero sigue deseando ser amado. Pronto encuentra que el camino para el amor es el sexo, y es aquí que se parece a Don Juan, conquistando una tras otra, pero va en búsqueda de que lo amen. De esta manera, los amorosos son Casanovas que siempre han de irse a buscar otro amor, porque es su sentimiento, su manera de ser. Siempre buscan el amor y siempre fracasan porque han idealizado tanto lo que buscan que cuando encuentran el amor real, es limitado para ellos . . . andan en la búsqueda del amor perfecto, del amor total. Es por ello que piensan el amor es un largo fracaso y "ecuentran alacranes bajo la sábana" por el insomnio que padecen, pasan muchas noches en vela . . . pensando, buscando quién sabe qué.
FUENTES:
viernes, 20 de agosto de 2010
Desde el baúl de los sueños: Ataraxia.
0 comentarios Publicado por Gail Filis, the vampire cat girl. en 13:18
Dicen los que saben -y los que dicen que saben- que Ataraxia es una agrupación artística italiana conformada por personas dedicadas no sólo a la creación de música, sino también a la poesía, pintura, teatro y el baile en castillos, cuadrados (plazas), parques, salas de concierto, y teatros por todas partes de Europa y América Latina; todo esto gracias a la particular exploración de las sensaciones más ocultas del ser humano pues, según su ideal, la creación artística es una forma de alcanzar un estado de tensión capaz de abrir la mente y de ser receptivos hacia las experiencias propias de la vida, las cuales paulatinamente habrán de conducirnos al equilibrio, así como a la armonía espiritual y corporal.
De origen italiano, esta agrupación compone música del tipo gótico, medieval y renacentista (aunque, muchas veces, es difícil clasificar sus creaciones) y sus más grandes raíces pueden verse en el pensamiento, costumbres y tradición oral de las culturas del oriente del Mediterráneo y de los celtas del norte. Los integrantes de Ataraxia se definen como artesanos del sonido que logran crear una mezcla inusual de lo sagrado y lo profano, de lo Medieval y lo Renacentista, de lo etéreo y lo atmosférico, música contemporánea y música temprana, haciendo suya la herencia de los tesoros de la historia y del tiempo utilizando a la música como principal herramienta para la constante investigación sobre las leyendas europeas y del este, cruzando los mitos griegos y latinos antiguos con el fin de preservar el pasado y otorgarlo al presente.
Ahora bien, la agrupación está conformada por Francesca Nicoli (vocalista), Vittorio Vandelli (guitarra), Giovanni Pagliari (teclados y piano), Riccardo Spaggiari (percusiones) y Livio Bedeschi (performance y fotografía).
NOTA: Sobre el significado de "ataraxia".
Se denomina ataraxia (ΑτΑΡΑξιΑ) a la disposición del ánimo propuesta por los epicúreos, estoicos y escépticos gracias a la cual alcanzamos el equilibrio emocional —la felicidad— mediante la disminución de la intensidad de nuestras pasiones y deseos y a la fortaleza del alma frente a la adversidad. Es, por tanto, tranquilidad espiritual, paz interior, imperturbabilidad como consecuencia de la ausencia de penas y temores.
En fin, y como fuere, les dejo una recopilación de vídeos (algunos subtitulados y otros no) de las canciones de este grupo que me tiene más que hipnotizada desde hace ya varios años. Ojalá los disfruten tanto como yo.
Y eso es todo . . . sólo porque es imposible poner aquí todos los videos de mis canciones favoritas. Ciao y miau miau.
Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Ataraxia_(banda)
http://www.definicionabc.com/general/ataraxia.php
Si quieres leer una "entrevista" con el grupo: http://nicolar.free.fr/xinte281.htm
Y por cierto, se rumora en una revista virtual mexicana (acá, chilanga) que Ataraxia se presentará en México el martes 02 de noviembre de 2010 a las 21:00hrs, en el Lunario (http://www.chilango.com/musica/concierto/2010/11/02/ataraxia)
domingo, 14 de marzo de 2010
Pintores victorianos: Sir Lawrence Alma Tadema.
0 comentarios Publicado por Gail Filis, the vampire cat girl. en 14:24
Desde hace algún tiempo quiero hablarles de uno de mis pintores favoritos pues su obra me resulta más que encantadora y maravillosa porque se inspira en el mundo antiguo clásico; además, sus escenas históricas están llenas de luz, vivacidad y ensoñación . . . realmente son únicas, al igual que la belleza de sus figuras. No en vano tiene una fuerte influencia Prerrafaelista ^_^ (ya con eso les digo todo).
Espectaciones (1885), Alma Tdema.
(ésta pintura es una de mis favoritas).
Sir Lawrence Alma Tadema nació en Holanda, pero vivía exiliado en Inglaterra; fue miembro de la Alta Sociedad londinense y solía retratar bellas mujeres elegantes con una visión victoriana que recordaba a las costumbres de la Antigua Roma, sus lujos y la decadencia del Imperio. Se sabe que no tuvo rivales a la hora de dibujar los detalles arquitectónicos, la arqueológica parafernalia y las complejas texturas del mármol. Tal vez por eso, si hubiera carecido de esas elaboradas clásicas reconstrucciones, las sensuales, y a menudo, eróticas figuras que languidecían en las obras de Alma-Tadema, no habría tenido cabida en la sensible moral de la época victoriana.
En el Tepidarium (1881).
Alma Tadema era el pintor de moda entre los ricos europeos y estadounidenses. De hecho, su arte influyó de forma extraordinaria en el cine de Hollywood, especialmente en las películas sobre la Roma clásica o el antiguo Egipto, como la de Ben-Hur de William Wyler, Quo vadis? de Mervyn LeRoy o Los diez mandamientos de Cecil B. de Mille.
El hallazgo de Moisés (1904).
¿Quién era él? . . . breve biografía del pintor.
Alma Tadema, Lawrence (Dronryp, Holanda, 1836-Londres, 1912).
La obra: Autorretrato, 1896.
Pintor británico. Su nombre original era Lawrence Tadema. Nacido en Dronrijp, pueblo frisón cerca de Leeuwarden, era hijo del notario Pieter Tadema, quien murió cuando Lawrence tenía sólo cuatro años. Alma era el nombre de su padrino. Su madre (muerta en 1863) era la segunda esposa de su padre. En principio, Lawrence tenía que seguir los pasos de su padre, pero al final se decantó por el arte y lo enviaron a Amberes donde en 1852 ingresó en la Academia de Egide Charles Gustave Wappers. Después estuvo en el taller de Jan August Hendrik Leys, de quien se presume fue discípulo. En 1859 ayudó a Leys en sus últimos frescos en el recibidor del hotel de la villa en Amberes.
Sus primeras obras se inspiraron en la historia de los francos y los merovingios; así su primer gran éxito fue el cuadro La educación de los niños Clovis (1861), que exhibió en Amberes. Al año siguiente, recibió su primera medalla de oro en Ámsterdam. La educación de los niños Clovis (tres hijos jóvenes de Clovis y Clotilde lanzando hachas con su madre viuda presente enseñándoles cómo vengar a su padre) fue uno de los cuadros de la serie merovingia, de los que destacan Fredegonda de 1878 (expuesto en 1880), donde la desconsolada esposa o ama observa tras una cortina la boda de Chilperic I con Galeswintha. Es quizá en esta serie donde encontramos el más profundo espíritu romántico en su obra. Una de sus obras más apasionadas es Fredegonda en el lecho de muerte de Praetextatus, donde el obispo, apuñalado por orden de la reina, la maldice desde la cama en que muere.
La educación de los niños Clovis (1861).
Fredegonda en el lecho de muerte de Praetextatus (1878).
Cabe mencionar que en 1862, a raíz de un viaje a Londres en el que conoció sus museos, cambió su repertorio por escenas del antiguo Egipto. Se casó en 1863 con la francesa Marie-Pauline Gressin de Boisgirard (quien fue su modelo para En el peristilo de 1866-1868) y pasó la luna de miel en Italia, donde hizo numerosos apuntes y fotografías, especialmente en Pompeya y Herculano. La Antigüedad clásica sería, a partir de entonces, su tema preferido. De ahí en adelante, su obra es vasta y maravillosa, casi todos sus trabajos son admirables por cómo dibuja flores, texturas y sustancias reflectantes como metales, cerámica y mármol. Por como representaba el mármol se le llegó a llamar 'the marbelous painter' ('el pintor marmolilloso', para evocar fonéticamente el adjetivo 'maravilloso'). En su obra abundan colores brillantes trabajados con delicadeza que enmarcan un interés humano inherente a sus escenas arcaicas traídas elegante y jocosamente a tiempos modernos. Vivió en Bruselas desde su primer matrimonio hasta 1869, cuando murió su esposa, dejándolo viudo con dos hijas, Laurence y Anna; la primera fue una afamada escritora y la segunda mujer de sociedad.
En el peristilo (1866-1868).
En 1864 conoció en París al marchante Ernest Gambart, quien dio a conocer sus obras en Bruselas y en Londres. En 1870, a raíz de la muerte de su primera mujer, se trasladó a Londres. Un año después se volvió a casar con la artista Laura Epps que también aparece en algunos de sus cuadros (p. ej. Las mujeres de Anfisa de 1887) y adquirió la nacionalidad británica. Sus amplios conocimientos de la arqueología, la arquitectura y el arte de Grecia y Roma le permitieron reconstruir detalladamente las escenas cotidianas de la Antigüedad clásica y adaptarlas al gusto victoriano.
Las mujeres de Anfisa (1887).
También hizo retratos y diseñó espectaculares decorados de teatro, muebles y trajes. Vivía tan inmerso en la estética clasicista, que sus dos residencias en Londres fueron decoradas como palacios pompeyanos. Alcanzó gran éxito entre los británicos y ejerció una extraordinaria influencia en Hollywood, especialmente en los decorados de las películas de los directores de cine David W. Griffith y Cecil B. de Mille. En 1876 fue nombrado asociado de la Royal Academy londinense, en 1879 académico de número y en 1905 fue condecorado con la orden del Mérito.
Retrato de Miss Laura Theresa Epps (¿?).
En la exposición de la colección de Alma-Tadema en la Grosvenor Gallery de Londres en invierno 1882-1883, había dos cuadros suyos que marcan el inicio y fin de este primer período, dos autorretratos de 1852, y "Regateo," con Alma Tadema pintado en 1860.
Autorretrato (1852).
En 1887 Ernest Gambart, que entonces era cónsul de España en Niza, donó el lienzo que custodia el Museo del Prado, Escena pompeyana (la siesta), pintado como un friso, al estilo de la cerámica de figuras rojas, e inspirado en la Hélade romántica de los parnasianos, visión poética y hedonista anhelada por Théophile Gautier, Louis Ménard, Leconte de Lisle o Baudelaire. El óleo describe una escena de indolente y plácida sensualidad homoerótica en la que un anciano reclinado y un joven tumbado, tal vez maestro y discípulo, disfrutan, bajo la protección de Venus, de la música que extrae de la flauta una bella joven.
Escena Pompeyana (1868).
Alma-Tadema fue nombrado caballero en el octogésimo primer cumpleaños (81) de la Reina Victoria en 1899. Se hizo socio de la Royal Academy en 1876, y miembro en 1879. En 1907, fue includido en la Orden del Mérito (Order of Merit). Fue caballero de la Orden del Mérito de Alemania (en la división de Artes y Ciencias) del rey belga Leopoldo, del león holandés, de San Miguel de Baviera, del león dorado de Nassau y de la Corona de prusia y oficial de la Legión de Honor de Francia, miembro de las Reales Academias de Múnich, Berlín, Madrid y Viena. Recibió una medalla de oro en Berlín en 1872 y una medalla en Berlín en 1874, una medalla de primera clase de las Exposiciones Internacionales de París de 1889 y 1900. También fue miembro de la Real Sociedad de Acuarelas.
Rivales inconcientes (1893).
En cuanto a su vida social, se sabe que era un hombre robusto y corpulento, caballeroso y chusco. Le encantaban el vino, las mujeres y las fiestas. Al escritor neerlandés Louis Couperus le anonadó su comportamiento burgués cuando lo conoció. Asimismo, Alma-Tadema era primo del pintor neerlandés Hendrik Willem Mesdag. Alma Tadema murió debido a una enfermedad en el estómago dejando una vasta colección de pinturas y su enmarmolado estudio a sus dos hijas solteras. El estudio fue menospreciado durante el siglo XX, pero volvió a tener interés con el cambio de siglo.
Finalmente, ya para concluir este post, sólo quiero decir que la obra de Alma Tadema es muy extensa como para poner todas las imágenes de los cuadros que realizó en tan breve espacio como lo es este; sin embargo, si quieren seguir viendo sus magníficos lienzos, les dejo una dirección en donde tienen una recopilación muy interesante y de paso, si quieren, pueden descargarse una imagen para usarla como fondo de escritorio (la calidad es bastante buena).
He aquí la página web (la dirección está debajo de la imagen ^_^ ):
Nos leemos prontito.
Ciao y miau miau.
FUENTES:
http://es.wikipedia.org/wiki/Lawrence_Alma-Tadema
http://pintura.aut.org/SearchAutor?AutNum=11143
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/alma.htm
http://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-line/voz/alma-tadema-lawrence/
http://www.arthistoryarchive.com/arthistory/victorian/Lawrence-Alma-Tadema.html
http://www.artsfairies.com/Lawrence_Alma_Tadema/Sir_Lawrence_Alma_Tadema.htm
domingo, 7 de marzo de 2010
Las Canciones de Beuern o "Carmina Burana"
0 comentarios Publicado por Gail Filis, the vampire cat girl. en 20:28
Hoy se me antoja hablar de música, todo a propósito de un video muy hermoso que acabo de ver y que es parte de los Carmina Burana de Carl Orff . . . ¿o acaso pensaban que sólo "Oh fortuna" es la totalidad de la obra?.
Coros y orquesta en una de las tantas interpretaciones de Carmina Burana.
Y es que resulta que el video está "ambientado" en la Edad Media; tal vez por eso me ha gustado tanto ^_^U porque, en cualquier circunstancia y sin importar el tema que se trate, ésta época en particular siempre nos induce a pensar en función del misterio, la magia y la aventura que la caracterizan. La razón de esto es muy simple pues resulta que durante la Edad Media se forjaron prácticamente todas las mitologías de la cultura occidental como son la leyenda del Santo Grial (copa en la que se supone que bebió Jesucristo durante la última cena y a la cual se le atribuyen poderes mágicos como la de Excalibur), la mítica espada del rey Arturo (sí, otra vez Excalibur), la poesía épica sobre los Caballeros Cruzados o el Santo Sudario.
Cours D'Amour (La Corte de Amor).
es el video que me fascinó. Esta es la versión
con Lucia Popp y Hermann Prey de una
sección de los Carmina Burana..
Parte de la traducción al español de esta sección en video (Corte de amor), sólo me faltan los versos 20 a 23 T_T :
15. El amor vuela por todas partes.
El amor vuela por todas partes; / es capturado por el deseo. / Los jóvenes y las jovencitas / se unen merecidamente. / Si alguna chica no tiene compañero, / carece de todo placer; / se mantiene, en la profundidad de la noche, / en la intimidad de su corazón, / en vigilia; / sería algo muy amargo.
16. El día, la noche y todas las cosas.
El día, la noche y todas las cosas / me son contrarios; / la conversación con las chica / me hace llorar, / o a menudo me hace suspirar; / pero sobre todo me produce temor./ Compañeros, alegradme; / vosotros que sabéis, habladme; / compadeceos de mí, que estoy triste; / grande es mi dolor; / sin embargo, aconsejadme, / por vuestro honor. / Tu hermoso rostro / me hace llorar mil veces, / pues tu corazón es de hielo. / Como remedio, / al instante volvería a la vida / por un beso.
17. Había de pie una muchacha.
Había de pie una muchacha / con una túnica roja; / si alguien la tocaba, / la túnica crujía. / ¡Ay! / Había de pie una muchacha / como una rosita; / su cara resplandecía / y su boca florecía. / ¡Ay!
18. De mi pecho.
De mi pecho / brotan muchos suspiros / a causa de tu belleza, / que me hieren miserablemente. / ¡Ve, canción; / ve, canción, / que mi amor no viene! / Tus ojos lucen / como los rayos del sol, / tal como el resplandor del relámpago / da luz a las tinieblas. / ¡Ve, canción; ve, canción, / que mi amor no viene! / ¡Quiera Dios, quieran los dioses / lo que imaginé en mi mente: / que podía abrir / las cadenas de su virginidad! / ¡Ve, canción; ve, canción, / que mi amor no viene!
19. Si un chico con una chica.
Si un chico se quedase / con una chica en la habitación, / se produciría una feliz unión. / Creciendo el amor, / e igualmente apartados de en medio, / lejos, los remilgos, / sería indescriptible el juego / de miembros, brazos y labios; / si un chico se quedase /con una chica en la habitación, /se produciría una feliz unión.
Una obra joven.
Carl Orff (1895-1982).
Carmina Burana realmente es una obra muy joven pues fue compuesta en 1937, sin embargo, ha sido capaz de alcanzar, y posiblemente de desplazar en popularidad, a obras de la talla y tradición de la Novena Sinfonía de Beethoven, la Sinfonía Nº 40 de Mozart o el Huapango del compositor mexicano José Pablo Moncayo. También ha sido calificada por algunos especialistas, y otros no tan especialistas, como menor a otras de su autor Carl Orff, pero paradójicamente, es gracias a ella que este compositor alemán se ha vuelto verdaderamente famoso.
La obra de Orff, que forma parte de la trilogía Trionfi, junto a Catulli Carmina y Trionfo di Afrodita, fue dedicada al canciller de Alemania en ese momento, Adolf Hitler, por lo que se ha tratado de estigmatizar al compositor, no obstante "en la música no existe la política", comentó Shade, quien informó que esta puesta en escena maneja un lenguaje conservador del siglo XX.
Cuestión de nombres e idiomas.
Cuestión de nombres e idiomas.
Abadía de Bura Sancti Benedicti (Benediktbeuern).
Debe mencionarse que Carmina Burana es el nombre dado a la colección de cantos goliardos de los siglos XII y XIII reunidos en el manuscrito encontrado en 1803 por Johann Christoph von Aretin en la abadía de Bura Sancti Benedicti (Benediktbeuern), en Baviera (región alemana ubicada entre los Alpes y la frontera con Checoslovaquia); en el transcurso de la secularización llegaron a la Biblioteca Estatal de Baviera en Múnich, donde se conservan (Signatura: clm 4660/4660a).
El término procede del latín cármĕn carminis, ‘canto’ o ‘cántico’ (no confundir con la palabra árabe carmén ‘jardín’), y burana es el adjetivo gentilicio que indica la procedencia: ‘de Bura’ (el nombre latino del pueblo alemán de Benediktbeuern). El significado del nombre es, por tanto, ‘Canciones de Beuern’.
Aunque generalmente se encuentra escrito Carmina (sin tilde, como en el original latín) se pronuncia /kármina/. Para evitar que un hispanohablante pronuncie erróneamente (lo cual sucede con mucha frecuencia entre músicos y locutores), la Real Academia Española sugiere que a las palabras latinas se les coloque la tilde (en casos como este en que la ortografía latina no coincide con la española).
Ahora bien, Carmina Burana proviene del nombre con el que Johann Andreas Schmeller publicó en 1847 la primera edición del manuscrito de la obra que sirvió de base a la de Orff, a la cual este último subtituló: “Cantiones profanae cantoribuset choris cantandae comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis”, que no es ninguna invocación del demonio y en español significa: “Canciones profanas para solistas y coros con acompañamiento de instrumentos e imágenes mágicas”, de donde surgió la incorrecta traducción de Carmina Burana como Canciones Profanas.
Aunque generalmente se encuentra escrito Carmina (sin tilde, como en el original latín) se pronuncia /kármina/. Para evitar que un hispanohablante pronuncie erróneamente (lo cual sucede con mucha frecuencia entre músicos y locutores), la Real Academia Española sugiere que a las palabras latinas se les coloque la tilde (en casos como este en que la ortografía latina no coincide con la española).
Ahora bien, Carmina Burana proviene del nombre con el que Johann Andreas Schmeller publicó en 1847 la primera edición del manuscrito de la obra que sirvió de base a la de Orff, a la cual este último subtituló: “Cantiones profanae cantoribuset choris cantandae comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis”, que no es ninguna invocación del demonio y en español significa: “Canciones profanas para solistas y coros con acompañamiento de instrumentos e imágenes mágicas”, de donde surgió la incorrecta traducción de Carmina Burana como Canciones Profanas.
De qué trata.
El códice recoge un total de 300 rimas, en su mayoría escritas en latín (aunque no con metro clásico), algunas partes en un dialecto del germano antiguo medio, y del francés antiguo. Se datan hacia el año 1230 aproximadamente, posiblemente en la abadía benedictina de Seckau o en el convento de Neustift, ambos en Austria.
En estos poemas se hace gala del gozo por vivir y del interés por los placeres terrenales, por el amor carnal y por el goce de la naturaleza, además de su crítica satírica a los estamentos sociales y eclesiásticos, dándonos así una visión contrapuesta a la que se desarrolló en los siglos XVIII y segunda parte del XIX acerca de la Edad Media como una “época oscura”.
En los Carmina Burana se satirizaba y se criticaba todas las clases de la sociedad en general, especialmente a las personas que ostentaban el poder en la corona y sobre todo en el clero. Las composiciones más características son las Kontrafakturen que imitan con su ritmo las letanías del Antiguo Evangelio para satirizar la decadencia de la curia romana, o para construir elogios al amor, al juego o, sobre todo, al vino, en la tradición de los cármina potoria. Por otra parte narran hechos de las cruzadas, así como el rapto de doncellas por caballeros.
Igualmente se concentra constantemente en exaltar el destino y la suerte, junto con elementos naturales y cotidianos, incluyendo un poema largo con la descripción de varios animales. La importancia de esta serie de textos medievales es que sencillamente es la más grande y antigua colección de versos de carácter laicos del medioevo (ya que lo acostumbrado era realizar unicamente obras literarias religiosas).
Las partes de la obra
La colección se encuentra dividida en 6 partes:
- Carmina ecclesiástica (canciones sobre temas religiosos)
- Carmina moralia et satírica (cantos morales y satíricos)
- Carmina amatoria (canciones de amor)
- Carmina potoria (contiene obras sobre la bebida, y también parodias)
- Ludi (representaciones religiosas)
- Supplemantum (versiones de todas las anteriores, con algunas variaciones)
Como ya se había mencionado, los poemas están en lenguas latina y bajo-alemán, de ellos Orff tomó selecciones de los temas más representativos de la poesía de los clérigos vagantes: lo inconstante de la suerte, la primavera y sus múltiples manifestaciones de vida; la embriaguez, el sarcasmo, la ridiculización y los placeres sensuales, a los cuales fueron tan aficionados.
Musicalmente, el compositor procura evocar los estilos gregoriano y medieval, mas sin pretender imitarlos. Utiliza una instrumentación numerosa, sobre todo rica en percusiones, y prescinde de elaboraciones melódicas, armónicas y contrapuntísticas complejas, a fin de facilitar al auditorio una percepción estética inmediata, esto es, instintiva.
La obra consta de seis secciones más la repetición, al final, de un fragmento de la primera, lo que hace un total de siete secciones en una forma cíclica, esto es, inicia y termina con la misma pieza. Las siete secciones son:
1. Fortuna Imperatrix Mundi (Fortuna Emperatriz del Mundo).
La obra consta de seis secciones más la repetición, al final, de un fragmento de la primera, lo que hace un total de siete secciones en una forma cíclica, esto es, inicia y termina con la misma pieza. Las siete secciones son:
1. Fortuna Imperatrix Mundi (Fortuna Emperatriz del Mundo).
2. I. Primo Vere (La Primavera).
3. Uf dem Anger (Sobre el Prado).
4. II. In Taberna (en la Taberna)
5. III. Cours D'Amour (La Corte de Amor).
6. Blanziflor et Helena (Blancaflor y Helena) y para concluir, nuevamente
7. Fortuna Imperatrix Mundi (Fortuna Emperatriz del Mundo).
La forma cíclica nos induce a pensar en una obra que termina y vuelve a iniciar en el mismo punto, y así sucesivamente: sin fin. El hecho de que la primera escena “Fortuna Imperatrix Mundi” sea usada a manera tanto de introducción como de conclusión, es una forma de simbolizar que este tema contiene, en el sentido matemático, a los demás. Ahora bien, descontada la presencia de la sección introductoria y conclusoria, que son prácticamente la misma, y cuyas funciones son las del broche y su contra, la estructura se compone de tres actos, numerados en romano, que son:
I. Primo Vere, “La primavera” o “En la primavera”, cuyo tema central son las bondades de esta época del año, la cual permite disfrutar de la convivencia en el campo y su colorido, por eso en esta parte se incluye también la sección titulada Uf dem Anger, “En el prado”.
La segunda parte, II. In Taberna, “En la taberna”, lugar de reunión con los amigos, punto de encuentro de estudiantes, en donde lo mismo se disfruta placenteramente del vino, que se gastan bromas pesadas o se practican los juegos de azar.
A través de las dos partes anteriores la emoción de la obra se incrementa paulatinamente basándose en el goce de la belleza, la alegría y los placeres mundanos, preparando el camino apuntado hacia el mejor blanco de las poesías goliardescas: el amor, la sensualidad y el erotismo, los cuales se encuentran en el tercero y último acto del discurso:
III. Cours D'Amour, “La corte de amor”, o “El cortejo amoroso”. En él se describen las estrategias de la conquista amorosa, las insistencias del enamorado, las dudas y penas del amor. Que a pesar de contener fluctuaciones en el estado de ánimo, éste se aumenta hasta alcanzar su punto climático ya hacia el final de este tercer acto, en el número musical vigésimo tercero, titulado “Dulcissime”.
La sexta sección, titulada “Blanziflor et Helena” le sigue como parte de la misma “Corte de amor”. Es, prácticamente, la última sección de la obra, y consta de un solo número musical, lo siguiente, es el regreso a la introducción, en este caso como conclusión: “Fortuna Imperatrix Mundi”, cerrando así el ciclo.
Ahora sí, ¿quiénes eran los Goliardos?.
Los goliardos: clérigos errantes, universitarios irreverentes o ambos.
Durante la Edad Media existieron cofradías de muchas índoles, desde la más conocidas como la de los constructores (cuna de tantas sociedades secretas y escuelas esotéricas, además de ser heredera de otras muchas) hasta las comerciales, que no pasaron de ser funcionales y organizativas. Pero algunas otras eran agrupaciones o sociedades que parecían una reunión de maleantes, mendigos y gentes dadas al sexo y la bebida, aun cuando tenían un sentido trascendente porque su visión de lo espiritual y lo sacro eran contraculturales. Este movimiento, sobre todo, estaba representado por los Goliardos.
Sobre su real origen no se tiene nada cierto pues su nombre se presta a tanta confusión que no arroja luz sobre cómo nació este movimiento. Algunos dicen que viene del imaginario Obispo Golías, patrón de los estudiantes, algunos otros comentan que se trata del gigante bíblico Goliat al que antiguamente se le identificaba con el demonio o de un gigante llamado Golias, emparentado con Goliat. Incluso, algunos más afirman que viene de la palabra gula en francés " geule". De ahí guliarts, que se latiniza en goliardos. Más aún, "goliardus" en latín significa glotón.
Tampoco se sabe mucho sobre sus integrantes, algunas personas afirman que este grupo de irreverentes está compuesto por estudiantes de las universidades que, a cambio de sus rimas a veces románticas y veces burlescas, recibían como pago unas monedas, vino o una comida en los conventos. Otra vertiente cree que los goliardos eran clérigos errantes desertores de los estudios religiosos que llevaban la tonsura, es decir el rapado de la coronilla, vestían hábitos y se reunían en “hermandades”. Además esta posibilidad se acentúa porque un símbolo que los representaba era la cuchara de marfil y es por la que personalmente apostamos con más fuerza sin desestimar que las otras sean válidas .
La causa de su deserción es incierta, pero posiblemente debida a las decepciones sufridas por ellos al notar las corrupciones del clero, o por el aburrimiento de la vida monástica de contemplación, o porque no fueron capaces de soportar las tentaciones mundanas. Sin embargo, conservaron sus distintivos clericales, es decir: la tonsura, que es el rapado circular de la coronilla del cráneo y los hábitos que vestían. Se reunían en "hermandades" con el fin de protegerse, lo que aunado a los distintivos que portaban les permitía sistematizar sus engaños, de los cuales se valían para subsistir.
Las constantes persecuciones emprendidas en su contra los orillaron a asociarse con los integrantes del bajo mundo: juglares, saltimbanquis, facinerosos, artesanos, todos ellos organizados en "gremios" o "cofradías" por idénticas razones de seguridad. De esta manera, se dio una aportación al desarrollo artístico popular, ya que los clérigos vagantes influyeron en estas cofradías con los tres elementos del conocimiento artístico con que contaban, a saber: el latín, la poesía y la música incluida su notación. La ironía, el escarnio y la transgresión de toda norma moral y de conducta social vigentes, fueron los elementos que impregnaron sus poemas.
Todos los grupos involucrados en las denuncias, demandas y escarnios, fueron violentamente marginados, mas no obstante sufrir continuas persecuciones y aguantar leyes, decretos y toda clase de edictos en su contra, no cejaron en su objetivo. Los goliardos ocuparon lugar de honor en la mira de las autoridades. Pero la persistencia en el comportamiento de dichos grupos, llegó a consolidar una tradición que alcanzó al Renacimiento, muestra de ello son los clérigos François Rabelais, autor de la obra narrativa Gargantúa y Pantagruel, de estilo satírico-popular sobre héroes caballerescos. Y François Villon, quien nació hacia 1431 y fue clérigo, poeta y licenciado en artes.
Este último hombre estuvo involucrado en el asesinato de un clérigo, por lo que huyó de París. Más adelante, junto con algunos amigos, asaltó el Colegio de Navarra, así que una vez más se dio a la fuga. Posteriormente sería encarcelado acusado de vagancia por formar parte de una compañía de cómicos ambulantes, pero logró quedar en libertad gracias a la intervención del rey Luis XI. A su regreso a París, es nuevamente encarcelado debido al atraco del Colegio de Navarra, mas prometió devolver su parte del robo. Un mes después, fue condenado a la horca a causa de otra pendencia nocturna. En su poesía nos narra su estado de angustia y pesar por su condición de condenado. En su poema llamado El Epitafio de Villon, se imagina a sí mismo ya en estado de putrefacción colgado de la horca. También de esta última condena se salvó, pero se le supone fallecido al poco tiempo, en 1463. Otros ejemplos de las historias sobre estos clérigos, sus engaños y vidas licenciosas, los encontramos en el libro Decamerón de Giovanni Boccaccio (1313-1375), obra escrita entre 1350 y 1355.
El Renacimiento con su floreciente comercio, favoreció a los grupos dominantes, quienes en busca de diversión asimilaron a los otrora marginados juglares, clérigos vagantes y otros profesionales del entretenimiento. Estos, al formar parte de los servicios cortesanos, perdieron el carácter festivo popular y la espontaneidad que les distinguía, al tener que dirigir sus bromas y escarnios hacia un blanco diametralmente opuesto al original.
Finalmente y ya para cerrar este post, Alonso Escalante (director de la Ópera de Bellas Artes, México) en una conferencia de prensa dijo que "intentar bajar la música al alcance de grandes multitudes, es un error". Las versiones populares que se han hecho de samba o rock de Carmina Burana, únicamente deforman o prostituyen su origen, el texto de Carl Orff debe ser cantado mientras su música lleva a quien la escucha, al paroxismo total. Yo estoy de acuerdo con ello ¿y ustedes?.
Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Carmina_Burana
http://www.conservatorianos.com.mx/3aguilar.htm
http://www.conaculta.gob.mx/sala_prensa_detalle.php?id=2285
v=dtlTwjOtphE&feature=PlayList&p=8F48B03945CFC203&index=5
http://historiaedadmedia.suite101.net/article.cfm/carmina_burana_algo_ms_que_vino_y_sexo
http://www.youtube.com/view_play_list?p=8F48B03945CFC203&search_query=carmina+burana
http://www.mp3lyrics.org/c/carl-orff/amor-volat-undique/
http://mx.answers.yahoo.com/question/index?qid=20081211172835AAnlBMr
domingo, 28 de febrero de 2010
Músicos modernos: Joaquín Rodrigo Vidre y el Concierto de Aranjuez.
0 comentarios Publicado por Gail Filis, the vampire cat girl. en 2:57
El que me guste el baile Flamenco no significa necesariamente que sea una fan de todo lo que parezca o suene español ^_^U, sin embargo, no he podido resistirme a los encantos del Concierto de Aranjuez y por eso, desde hace mucho tiempo, figura en los archivos musicales que mi querida compu resguarda je, je, je. Y es que el sólo escucharlo (sobre todo el adagio) me provoca los vellos de mi piel se ericen de emoción pues me transporta a tierras lejanas y maravillosas de tintes arabescos ^_^ . . . o incluso al aroma y figura de la persona que más amo: mi futuro esposo Sergio. Pero como decía la nana Goya, "ésa es otra historia".
Mi corazón de gato se emociona con la música.
Pues bien, el Concierto de Aranjuez es una composición musical para guitarra solista y orquesta del compositor español Joaquín Rodrigo (1901 - 1999), quien estuvo influido en su juventud por Igor Stravinsky, Manuel de Falla y por los impresionistas franceses. La celebridad de este compositor y su reputación como uno de los principales de la posguerra se deben principalmente a esta obra, aunque también se le reconoce por su escritura bastante hábil basada en temas antiguos y folclóricos que trató con gran lirismo y un sonido de gran ligereza, influido igualmente por el sinfonismo de Paul Dukas y los nacionalistas españoles.
Creación de Joaquín Rodrigo.
Joaquín Rodrigo Vidre (1901 - 1999)
Dicho concierto fue escrito a principios de 1939 en París y consta de tres movimientos: Allegro con spirito, Adagio y Allegro gentile; la orquestación es única: rara vez el sonido de la guitarra se confronta a toda una orquesta. Sin embargo, la guitarra nunca queda diluida, sino que el solo del instrumento destaca en todo momento. Empero, no todo es miel sobre hojuelas, aunque es una obra bellísima, cabe resaltar que el escenario de su creación fue un ambiente muy tenso debido a las últimas etapas de la Guerra Civil española y la incipiente Segunda Guerra Mundial.
Su estreno fue el 9 de noviembre de 1940 y su ejecutor fue el guitarrista Regino Sáinz de la Maza, acompañado por la Orquesta Filarmónica de Barcelona dirigida por César Mendoza Lasalle, en el Palau de la Música Catalana de Barcelona; actualmente se le considera como la pieza musical española más interpretada en el mundo y su adagio ha sido versionado en múltiples estilos, incluso se han empleado secciones de este movimiento en series de anime como Ghost in the Shell y Digimon.
La inspiración del autor.
Imágenes de los jardines del Palacio Real de Aranjuez.
El Concierto de Aranjuez fue inspirado y escrito para los jardines del Palacio Real de Aranjuez, la residencia primaveral del rey Felipe II en la segunda mitad del siglo XVI, y posteriormente reconstruido a mediados del siglo XVIII por Fernando VI. La obra intenta transportar al oyente a los sonidos de la naturaleza de otro lugar y otro tiempo.
Según el compositor, el 1er movimiento está "animado por un espíritu rítmico y un vigor sin ninguno de los dos temas... interrumpiendo su implacable ritmo". El 2º movimiento "representa un diálogo entre la guitarra y los instrumentos de solo (corno inglés, fagot, oboe, trompa), mientras que el último movimiento "recuerda un baile formal en el que la combinación de un ritmo doble y triple mantiene un tempo tenso próximo a la barra próxima". Él describe el concierto como la captura de "la fragancia de magnolias, el canto de los pájaros y el chorro de las fuentes" de los jardines de Aranjuez.
Como siempre y en todo, detrás hay una historia de amor.
Joaquín Rodrigo (un compositor que desde niño quedó ciego, aclaro) se casó con Victoria Kahmi (una pianista turca) en Valencia en 1933. Sin dinero para ir a París de luna de miel, tal como era su sueño, se conformaron visitando los jardines de Aranjuez mientras ella le describía todo. Él adhería a las imágenes el olor de las magnolias, el murmullo de las fuentes y el frescor de la clorofila.
Meses más tarde, aunque enamorados, se separaron unos años por falta de medios, pero al poco de reunirse comenzó la Guerra Civil Española; fue así como huyeron estableciéndose en París tras un tiempo en Alemania donde los nazis acabaron sospechando de aquellos refugiados españoles. En el invierno parisino de 1939 sufrieron el perder al hijo que estaba a punto de nacer y comienza un periodo de desesperanza y enfermedades provocadas otra vez por la escasez. A ello se unieron las campanas de guerra que sonaban en Europa y las pésimas noticias que llegaban de España.
Aun con las adversidades, los soñadores siempre encuentran vías de escape y él, ante todo, era uno inquebrantable. Con el método Braille compuso un concierto de amor y añoranza por los jardines en los que se sintió dichoso. Sería su testamento vital, puede que nunca regresara, que nunca sintiera algo similar. Tuvo además el arrojo de incluir en una composición de corte clásico el instrumento que muchos concertistas consideraban burdo, el que acompañaba los desgarros y euforias del pueblo llano que con tanta saña se mataba al sur de los Pirineos, la guitarra española.
En aquella triste y oscura España de la posguerra los asistentes a los conciertos de estreno lloraban. Afloraron excelentes guitarristas como Andrés Segovia o Narciso Yepes que se honraban al representarlo. Recibió mil versiones, la mayoría mediocres, se ha incluido en la liturgia judía, en series, en películas. Es la obra española que más derechos de autor reporta especialmente en Japón donde es venerada.
Hasta su muerte Joaquín Rodrigo y Victoria Kamhi nunca más se separaron ni tuvieron las necesidades de antaño. En la democracia, incluso, recibirían el título nobiliario de Marqueses de los Jardines de Aranjuez. Hoy sus restos reposan juntos en el mismo lugar donde fueron tan felices.
Dejémonos de palabras y prestemos oído a lo que sigue.
Como siempre y en todo, detrás hay una historia de amor.
Joaquín Rodrigo y Victoria Kahmi
Joaquín Rodrigo (un compositor que desde niño quedó ciego, aclaro) se casó con Victoria Kahmi (una pianista turca) en Valencia en 1933. Sin dinero para ir a París de luna de miel, tal como era su sueño, se conformaron visitando los jardines de Aranjuez mientras ella le describía todo. Él adhería a las imágenes el olor de las magnolias, el murmullo de las fuentes y el frescor de la clorofila.
Meses más tarde, aunque enamorados, se separaron unos años por falta de medios, pero al poco de reunirse comenzó la Guerra Civil Española; fue así como huyeron estableciéndose en París tras un tiempo en Alemania donde los nazis acabaron sospechando de aquellos refugiados españoles. En el invierno parisino de 1939 sufrieron el perder al hijo que estaba a punto de nacer y comienza un periodo de desesperanza y enfermedades provocadas otra vez por la escasez. A ello se unieron las campanas de guerra que sonaban en Europa y las pésimas noticias que llegaban de España.
Aun con las adversidades, los soñadores siempre encuentran vías de escape y él, ante todo, era uno inquebrantable. Con el método Braille compuso un concierto de amor y añoranza por los jardines en los que se sintió dichoso. Sería su testamento vital, puede que nunca regresara, que nunca sintiera algo similar. Tuvo además el arrojo de incluir en una composición de corte clásico el instrumento que muchos concertistas consideraban burdo, el que acompañaba los desgarros y euforias del pueblo llano que con tanta saña se mataba al sur de los Pirineos, la guitarra española.
En aquella triste y oscura España de la posguerra los asistentes a los conciertos de estreno lloraban. Afloraron excelentes guitarristas como Andrés Segovia o Narciso Yepes que se honraban al representarlo. Recibió mil versiones, la mayoría mediocres, se ha incluido en la liturgia judía, en series, en películas. Es la obra española que más derechos de autor reporta especialmente en Japón donde es venerada.
Hasta su muerte Joaquín Rodrigo y Victoria Kamhi nunca más se separaron ni tuvieron las necesidades de antaño. En la democracia, incluso, recibirían el título nobiliario de Marqueses de los Jardines de Aranjuez. Hoy sus restos reposan juntos en el mismo lugar donde fueron tan felices.
Dejémonos de palabras y prestemos oído a lo que sigue.
Pues ya es hora de escuchar el tan afamado Concierto de Aranjuez, aquí les dejo los tres movimientos interpretados por Paco de Lucía (otra leyenda española con su propia historia). Miren, no me voy a meter en discusiones locas de que si suena mejor con John Williams o con Paco de Lucía, pero a mi parecer tiene más garbo e intensidad con este último intérprete . . . la dulzura y calidez de Williams mejor nos la reservamos para un momento más íntimo con nuestra pareja ^_^U
1. Primera parte: Allegro con spirito.
2. Segunda parte: Adagio (la sección más famosa a nivel mundial).
3. Tercera parte: Allegro gentile.
Sólo para que comparen: aquí el adagio con John Williams.
Si te interesó el tema puedes ir a la página oficial de Joaqupin Rodrigo:
El sitio es: http://www.joaquin-rodrigo.com/indexf.html
Fuentes:
Historia de la Música, Beltrando- Patier Marie-Claire, Et. al, Espasa Calpe, España, 2001, pág 724 y 781.
http://es.wikipedia.org/wiki/Concierto_de_Aranjuez
http://buscandoalsrcorchea.wordpress.com/2009/07/23/aranjuez-desde-los-ojos-de-un-genio-enamorado/
http://buscandoalsrcorchea.wordpress.com/2009/07/23/aranjuez-desde-los-ojos-de-un-genio-enamorado/
miércoles, 30 de diciembre de 2009
Quizá, después de todo, mi vida si es muy "lounge"... de hecho me gusta este tipo de música y la verdad es que se me antoja escucharla sólo de noche, con vista a la ciudad mientras se está en un buen departamento bien decorado y una rica bebida en la mano, o simplemente mientras se conduce un auto a través de las calles y avenidas más in de la ciudad. . . claro, de noche.
Y ya que me apetece hacerlo, les voy a hablar un poco de este género musical ^_^. El lounge es una variación principalmente del jazz, que se conoce desde la década de 1950. Se caracterizaba por presentar ritmos sensuales y desprovistos de una instrumentación recargada. Está basada en los abundantes sonidos del Swing y el Big Band de la década de 1950, con influencias o combinaciones del worldbeat, para convertirse en un híbrido sonoro muy placentero y de fácil escucha aunque es, sobre todo, un "modo de interpretación" por el que pueden pasar géneros tan diversos como el jazz, bossa nova, mambo, chachachá, música étnica o electrónica. Se debe considerar como padre de este gènero musical al mùsico mexicano Juan García Esquivel.
El término lounge podría traducirse al castellano como vestíbulo o salón de descanso, el lugar de un hotel donde uno puede sentarse a beber algo, conversar y escuchar música suave. Por extensión, la palabra pasó a designar a toda una cultura dedicada al placer, la comodidad y la elegancia. Si hoy la estética lounge es una opción de moda, es debido a la industria discográfica a mediados de la década de 1990.
Club Eyecandy sound lounge & bar, Las Vegas
En la actualidad, el lounge es una variación del house que se diferencia del chillout principalmente porque que el lounge es sobre todo bailable y está compuesto con sucesiones armónicas de jazz. El lounge es un concepto que puede sonar algo forzado, pero que evidencia de manera perfecta un sonido, y una intención en la manera de hacer música. Durante años la música lounge marcó varias épocas del siglo XX, bajo distintos esquemas: solistas, orquestas, instrumentales, siempre bajo el mismo tenor: servir de acompañamiento para reuniones sociales de cierto “nivel”, con música de calidad, interpretada por músicos a la altura.
Desde el inicio de la década de 1990 se tiene a esta corriente musical como una alternativa para poder tener una conversación sin estridencias y estímulos sensoriales, que inviten al público una calmarse, poner suavemente los pies sobre la tierra y entrar en Relación con otras expresiones artísticas actuales y muy sofisticadas y desde esa década el lounge volvió por sus fueros debido al agotamiento de géneros como el trance o el tecno. La gente buscó refinar su oído con melodías de buen gusto, de sonidos agradables y atmosféricos. Ahora la tendencia está revestida de sonidos electrónicos con sabor étnico provenientes del mundo árabe, de Brasil o de África. Las recopilaciones más famosas son las de Buddha Bar (mi favorito), Thievery Corporation, Henry Mancini, el Café del Mar o el Hotel Costes de París. Yo también les propongo para el relax cotidiano a Gotan Project (tango), St. Germain (nu jazz, acid house y jazz), St. Etienne (indie pop), Morcheeba (acid jazz) y Hooverphonic (inclasificable, trip hop al principio) .
Desde inicios de 2000, este género musical es sinónimo del easy listening (música de fácil escucha para un relax rutinario), aunque se equilibra con una corriente de música ambiental y downtempo en extremo complaciente. El lounge es un término amplio que desborda la música y que refleja un modo de vida propio manifestado en la decoración, las bebidas, la moda y el cine. El lounge básicamente puede definirse como algo fresco, buena comida acompañada de música estetica y mucho confort, aromas agradables y una muy buena compañia. . . todo eso que buscas cuando tu espíritu quiere espacapar y vuela lejos de este mundo material. Así pues, el lounge es un conjunto de lo mejor: estetetica, diseño, melodia y, como su nombre lo sugiere, de relajación.
Y bien, qué sería de este post si no les pongo unos videitos para que los disfruten y se relajen (además qué sirven de ejemplo) ^_^.
1. Buddha Bar III (existen más de 10 discos de Buddha Bar, pero es imposible ponerlo todo en un sólo post ... y sólo por eso escogí el volumen III, pero deberían escucharlos porque están muy pero muy buenas las recopilaciones).
a) Sacral Nirvana.
b) Secret Love by Nicos.
2. Gotan Project, La Revancha del Tango (igual que el anterior, es dificil escoger una sola canción... y más si les gusta este tipo de tango, como a mí. A ver si algún día puedo bailar tango con mi dulce Lord, bien juntitos en la milonga ^_^. . . sería tan sensual).
a) Una música brutal.
b) Época.
3. St. Germain (sólo les dejo mi canción favorita).
a) Rose Rouge.
4. St. Etienne (Ay, la chica canta muy lindo y por eso les dejo dos).
a) Heart failed.
b) Shower Scene (lamento no haber encontrado uno que nos cuente la historia T_T , es sólo música).
a) Mad About You.
http://es.wikipedia.org/wiki/Lounge
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